Historie Podcasts

Hvem er kunstneren bag dette populære maleri?

Hvem er kunstneren bag dette populære maleri?


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Wikipedia siger, at det er et tysk postkort dateret 1900. Men siger intet om kunstneren.

Er der nogen der kender til kunstneren bag dette værk?


Forfatteren er ukendt, om filens wikimedia commons er noget at gå efter, men at grave lidt dybere ved hjælp af Google billedsøgning ser ud til at tilskrive originalen forskelligt til en maler ved navn Lindberg, til H Zabatari/Hans Zatzka og muligvis andre.

Vær på vagt over for, at kilderne meget vel kan afspejle hearsay uden at kontrollere eller, som dette svar, google. Når det er sagt, virker H Zabatari/Hans Zatzka som et bedre bud baseret på denne lidt mere troværdige og bedre undersøgt kilde (en auktionsside for en original):

The Guardian (ca. 1918) blev malet af H. Zabateri som et postkort (Østrig?). Originale postkort med kunstnerens navn (kredit) kan købes hos samlere. Flere udskrifter af dette maleri er blevet tilskrevet "Lindberg". Lindberg kopierede det originale maleri og brugte lysere farver, detaljeændringer og enklere figurer.


Historien bag Banksy

Hvornår Tid magasinet valgte den britiske kunstner Banksy —graffiti-mester, maler, aktivist, filmskaber og universel provokatørFor sin liste over verdens 100 mest indflydelsesrige mennesker i 2010 befandt han sig i selskab med Barack Obama, Steve Jobs og Lady Gaga. Han leverede et billede af sig selv med en papirpose (naturligvis genanvendelig) over hovedet. De fleste af hans fans vil virkelig ikke vide, hvem han er (og har protesteret stærkt mod Fleet Street -forsøg på at afsløre ham). Men de vil gerne følge hans opadgående trajekt fra forbudssprøjtningen eller#, som argoten har det, “bombing ” —mure i Bristol, England, i løbet af 1990'erne til kunstneren, hvis arbejde kommanderer hundredtusinder af dollars i auktionshuse i Storbritannien og Amerika. I dag har han bombet byer fra Wien til San Francisco, Barcelona til Paris og Detroit. Og han er flyttet fra graffiti på grusede bymure til at male på lærred, konceptuel skulptur og endda film, med den forsigtige dokumentarfilm Afslut gennem gavebutikken, der blev nomineret til en Oscar.

Relaterede bøger

Banksy .: Du er et acceptabelt trusselsniveau

Banksy: Manden bag væggen

Relateret indhold

Skadedyrsbekæmpelse, den tunge-i-kind-betegnede organisation, der blev oprettet af kunstneren for at godkende det rigtige Banksy-kunstværk, beskytter ham også mod nysgerrige udenforstående. Banksy gemmer sig bag en papirpose eller mere almindeligt e-mail og kontrollerer ubarmhjertigt sin egen fortælling. Hans sidste ansigt til ansigt interview fandt sted i 2003.

Selvom han kan skjule sig bag en skjult identitet, går han ind for en direkte forbindelse mellem en kunstner og hans valgkreds. Der er et helt nyt publikum derude, og det har aldrig været lettere at sælge [en kunst], har Banksy fastholdt. Du behøver ikke gå på college, trække rundt i en portefølje, sende transparenter til snoede gallerier eller sove med en magtfuld, alt hvad du behøver nu er et par ideer og en bredbåndsforbindelse. Det er første gang, den i det væsentlige borgerlige kunstverden har tilhørt folket. Vi skal få det til at tælle. ”

Barton Hill -distriktet i Bristol i 1980'erne var en skræmmende del af byen. Meget hvid — sandsynligvis ikke mere end tre sorte familier på en eller anden måde var havnet der —arbejde-klasse, nedslidt og uvelkomne for fremmede. Så da Banksy, der kom fra en meget grønnere del af byen, besluttede sig for at tage sit første angreb der, var han nervøs. Min far blev hårdt slået deroppe som barn, og fortalte det til graffitikunstneren og forfatteren Felix Braun. Han prøvede navne på det tidspunkt, undertiden underskrev sig selv Robin Banx, selvom dette hurtigt udviklede sig til Banksy. Den forkortede moniker har muligvis demonstreret færre af gangsterne ’ “robbing banks ” cachet, men det var mere mindeværdigt og lettere at skrive på en væg.

Omkring dette tidspunkt besluttede han sig også for sin karakteristiske stencil -tilgang til graffiti. Da han var 18, skrev han engang, han malede et tog med en kammerat, da det britiske transportpoliti dukkede op, og alle løb. “ Resten af ​​mine kammerater nåede frem til bilen, ” Banksy huskede, “ og forsvandt, så jeg tilbragte over en time gemt under en dumper med motorolie lækker over mig. Da jeg lå der og lyttede til betjenten på sporene, indså jeg, at jeg var nødt til at skære min malertid i halve eller opgive den helt. Jeg stirrede lige op på den stencilerede plade i bunden af ​​brændstoftanken, da jeg indså, at jeg bare kunne kopiere den stil og lave hvert bogstav tre meter højt. ” Men han fortalte også sin ven, forfatter Tristan Manco: “As snart jeg skar min første stencil kunne jeg mærke kraften der. Jeg kan også godt lide den politiske kant. Al graffiti er uenighed på lavt niveau, men stenciler har en ekstra historie. De er blevet brugt til at starte revolutioner og til at stoppe krige. ”


Glemte mesterværker er sjældne

For det første er det ekstremt sjældent at finde et glemt mesterværk for at være helt klar. Du vil høre historier om et stykke af Salvador Dali, Vincent Van Gogh eller Alexander Calder, der findes i en genbrugsbutik. Hvis du er fan af PBS's "Antiques Roadshow", ved du, at nogle glemte familiens skatte kan være overraskende mange kontanter værd. Disse er ikke normen.

Det er ikke at sige, at du ikke bør holde øje med den skjulte perle. Det er virkelig sjovt at udforske gode tilbud og se om du kan finde et, men regner ikke med at hvert støvet maleri er værdifuldt.


Pige med en perleørering

Johannes Vermeer, “Pige med en perleørering, ” ca. 1665 (Foto: Mauritshuits via Wiki Art Public Domain)

I 1665 skabte den hollandske kunstner Johannes Vermeer sit mest kendte kunstværk: Pige med en perleørering. Flere kunsthistorikere har sat spørgsmålstegn ved den sande identitet af den unge kvinde, der er afbildet i maleriet. En af de mest almindelige teorier er, at den pågældende kvinde er Maria Vermeer, malerens ældste datter. Der er dog stadig flere forskere, der tvivler på dette, og selvom dette oliemaleri ofte betragtes som et af de mest betydningsfulde portrætter, er det teknisk set slet ikke et portræt.

Pige med en perleørering er faktisk en tronie& mdasha undersøgelse af en uidentificeret person. Tronier var særligt populære i den hollandske guldalder, da kunstnere som Vermeer og Rembrandt begyndte at vedtage navngivne emner til deres “portrætter. ” Ofte er disse figurer klædt i overdådigt tøj og mod en almindelig baggrund, hvilket understregede deres anonyme karakter .

Pige med en perleørering er et godt eksempel på denne tradition, da den skildrer en ukendt pige klædt i overdådige beklædningsgenstande. Ligesom en vision, der stammer fra mørket, tilhører hun intet bestemt tidspunkt eller sted, ” kunsthistorikere Arthur K. Wheelock og Ben Broos oplyser i et udstillingskatalog. Hendes eksotiske turban, der ombryder hovedet i krystallinsk blå, overvindes af et slående gult stof, der falder dramatisk bag hendes skulder og giver en mystisk luft til billedet. ”

Tronies af Rembrandt på Metropolitan Museum of Art


Andre malere har malet portrætter af mennesker, som de har elsket og mistet. Den hollandske maler Rembrandt van Rijn (1606-1669) var en, der havde et stort tab. Ifølge Ginger Levit i "Rembrandt: Painter of Grief and Joy"

Det var den bedste tid i Holland fra 1600-tallet-kendt som den hollandske guldalder. Økonomien blomstrede, og velhavende købmænd byggede rækkehuse herregårde langs Amsterdamskanalerne og installerede luksuriøse møbler og malerier. Men for Rembrandt van Rijn (1606-1669) blev det den værste tid-hans smukke, elskede, unge kone Saskia døde i en alder af 30 år såvel som deres tre spædbørn. Kun hans søn Titus, der senere blev hans forhandler, overlevede.

Herefter fortsatte Rembrandt med at miste mennesker, han elskede. Pesten i 1663 tog hans elskede elskerinde, og derefter blev også Titus taget af en pest i en ung alder af 27 i 1668. Rembrandt selv døde kun et år senere. I løbet af denne mørke tid i sit liv fortsatte Rembrandt med at male det, der var mest personligt for ham, ikke i overensstemmelse med dagens forventninger og kanaliserede hans lidelse og sorg til kraftfulde og stemningsfulde malerier.

Ifølge Neil Strauss i hans New York Times 'artikel "The Expression of Grief and the Power of Art"

I Rembrandts kunst er sorg sekulær og åndelig følelse. I snesevis af selvportrætter, han malede i næsten et halvt århundrede, udvikler sorg som en smerte af undertrykte tårer. For denne mand, der mistede de mennesker, han elskede allermest, var sorg ikke en begivenhed, det var en sindstilstand, der altid var der, skiftede fremad, trak sig tilbage, voksede altid, som de skygger, der bevæger sig hen over kunstnerens aldrende ansigt.

Han siger videre, at vestlig kunst i århundreder har skildret sorgens menneskelige følelser, lige fra vasemalerierne i det klassiske Grækenland til religiøse malerier af kristendommen, "som har en tragedie i sin kerne."


& aposGolden Rule, & apos 1961

& quotGolden Rule, & quot 1961. Olie på lærred, 44 ½ & quot x 39 ½ & quot. Omslagsillustration til & quotThe Saturday Evening Post, & quot 1. april 1961.  

Foto: Norman Rockwell Museums samlinger. ©SEPS: Curtis Publishing, Indianapolis, IN

I 1960'erne skiftede stemningen i Amerika. En gang begrænset til at vise minoriteter på forsiden af Stolpe, Norman Rockwell ’s 1961 maleri, gylden regel bød på en samling mænd, kvinder og børn af forskellige racer, religioner og etniciteter med den enkle, men universelle sætning: 𠇍o til andre, som du ville have dem gjort mod dig. ” I 1985 blev Rockwell ikonisk illustrationen blev reimagineret som en kæmpe mosaik og foræret til De Forenede Nationer på vegne af USA af First Lady Nancy Reagan — det har været udstillet siden dengang i FN ’s hovedkvarter i New York.  

Tilfældigt, gylden regel begyndte livet som en tegning inspireret af FN ’s humanitære mission. Opfundet i 1952 og henrettet i 1953, indeholdt den originale illustration 65 personer, der repræsenterer verdens nationer, omkring centrale medlemmer af FN's Sikkerhedsråd (USSR, Storbritannien og USA). Ideen var at udtrykke håb i den nye fredsbevarende organisation, og Rockwell foretog omfattende forskning, herunder fotografering af diplomater og modeller på billedet. Efter at have afsluttet tegningen mistede kunstneren troen og opgav projektet og følte, at han var ude af sin dybde. Efter at have flyttet til Stockbridge, Massachusetts, genbesøgte Rockwell ideen et årti senere, fjernede diplomaterne og fokuserede på ideen om fælles menneskelighed for at skabe et af hans mest varige portrætter.


Tv-, hip-hop- og videospilgrafik inspirerede ham alle

Da hans ry allerede sprang i gang, solgte hans første soloudstilling i Amerika i New Yorks Annina Nosei Gallery det følgende forår ud på åbningsaftenen og tjente Basquiat $ 250.000. I løbet af det samme vigtige år i 1982 henrettede Basquiat Dustheads, der solgte på auktion i 2013 for rekordstore $ 48,8 millioner.

Basquiat's Dustheads satte rekord, da den solgte på auktion i 2013 for $ 48,8 millioner (Kredit: EPA/Alamy)

I månederne og årene efter hans amerikanske debut viste Basquiat sig ekstraordinært produktiv og opbyggede et oeuvre på omkring 1.000 malerier samt mere end 2.000 tegninger - alt sammen gengivet i hans uendeligt energiske, voldsomme, men barnlige stil. Henvisninger til populærkulturen og gaden florerer i hans arbejde. Fjernsyn, hiphop og den rudimentære grafik fra tidlige arkade -videospil inspirerede ham alle, og hans malerier indeholder stickmen samt forskellige symboler, såsom en allestedsnærværende krone, der fungerer som en graffiti -skribent.


Hvornår begyndte neo-impressionismen?

Den franske kunstner Georges Seurat introducerede neo-impressionisme. Hans maleri fra 1883 Badende ved Asnieres har stilen. Seurat studerede farveteori -publikationer produceret af Charles Blanc, Michel Eugène Chevreul og Ogden Rood. Han formulerede også en præcis anvendelse af malede prikker, der ville blande sig optisk for maksimal glans. Han kaldte dette system for Chromoluminarism.

Den belgiske kunstkritiker Félix Fénéon beskrev Seurats systematiske anvendelse af maling i sin anmeldelse af den ottende impressionistiske udstilling i La Vogue i juni 1886. Han udvidede indholdet af denne artikel i sin bog Les Impressionistes i 1886, og fra den lille bog hans ord néo-impressionisme tog fart som et navn for Seurat og hans tilhængere.


Historien bag maleriet -Washington Crossing the Delaware

I Metropolitan Museum of Art i New York City, maleriet Washington krydser Delaware hænger i Galleri 760. Det er et velkendt olie på lærred-maleri af George Washingtons krydsning af Delaware-floden juleaften i 1776 for at angribe hessianere i Trenton, New Jersey under den amerikanske revolution. Den skildrer ikke kun Amerikas fremtidige første præsident, men den har også den kommende femte præsident, James Monroe.

Et af de mest berømte malerier fra den amerikanske revolution, det blev malet i Düsseldorf i 1851 af Emanuel Gottlieb Leutze, en tysker, der voksede op i USA, men vendte tilbage til Tyskland som voksen. Leutze blev født 40 år efter slaget ved Trenton og havde håbet, at revolutionens ånd ville motivere de europæiske liberale revolutionære i 1848. Han tog dog et par ting forkert.

Washington Crossing the Delaware af Emanuel Leutze, på Metropolitan Museum of Art, New York, NY. Foto af Adavyd CC BY SA 3.0

På Purdue Today siger David Parrish, professor i kunsthistorie, at flaget, som Monroe havde, ikke eksisterede før omkring et år efter slaget. Båden i maleriet var en forkert type, og Washington skulle have været malet som en yngre mand. Selvom han ser særlig ædel ud, vidste Washington nok til ikke at stå op i en robåd. Vi vil bare overlade den ene til poetisk licens.

Mange historikere tror ikke på, at Monroe krydsede Delaware med Washington, men han kæmpede bestemt ved Trenton og fik en kugle i skulderen, der blev tilbage resten af ​​hans liv.

James Monroe White House portræt, 1819

De andre beboere i båden repræsenterer de forskellige samfundslag i de amerikanske kolonister, herunder fransk canadiske pelsfangere, en afrikaner, en skotte, landmænd og en figur fra den vestlige del af landet. Nogle mener, at figuren i den røde frakke og det sorte tørklæde kan repræsentere de kvinder, der kæmpede og døde for friheden.

Webstedet for Metropolitan Museum of Art fortæller os, at Leutze begyndte maleriet i 1849, men det blev beskadiget af en brand i 1850. Kunstneren reparerede skaden, og maleriet blev erhvervet af Bremen Kunsthalle, et kunstmuseum i Bremen, Tyskland. Det maleri blev ødelagt i 1942 under et bombeangreb fra Anden Verdenskrig af britiske styrker.

Washington Crossing the Delaware (1849–1850), originalt maleri af Emanuel Leutze

Heldigvis havde Leutze skabt en kopi af maleriet kort efter det første, og David Parrish rapporterer, at maleriet blev sendt til New York City i efteråret 1851, hvor tusinder strømmede til dets fremvisning i et galleri i New York og på US Capitol Rotunda i Washington DC. Maleriet vises nu permanent på Metropolitan Museum of Art i New York City.

Andre autoriserede kopier vises på Perdue University, i Washington Crossing Historic Park og i Det Hvide Hus. Delaware-krydset blev også fanget i andre malerier af kunstnere, herunder George Caleb Bingham, en amerikansk græskunstner, der arbejdede i midten af ​​1800'erne og var en ven af ​​Leutze Thomas Sully, en amerikansk kunstner født i England, der arbejdede i begyndelsen af ​​1800'erne, og Currier og Ives, der lavede en litografi af scenen malet af Leutze. Leutzes maleri er også afbildet i delstaten New Jersey.

Washington Crossing the Delaware af Emanuel Leutze (beskåret), MMA-NYC

Som altid er der opstået parodier. En parodi viser Leutze ’s maleri genskabt, men alle figurerne har hønsehoveder, mens en anden har Washington og hans bådkammerater sejlet på en hotdog. Der er andre med Homer Simpson, der træder i stedet for George Washington og Muppets tager alle mændenes sted.

Emanuel Leutze, en tysk-amerikansk maler.

Parodier til side, Washington krydser Delaware er et ærefrygtindgydende maleri, der ses af tusinder hvert år. Maleriet blev også genskabt til en kalkstatue på stedet, hvor Washington landede i New Jersey, den 500 hektar store Washington Crossing Historic Park. Frank Arena, en pensioneret kalkstensarbejder, huggede statuen, og arbejdere satte hver enkelt udskåret figur ind i båden.

Ifølge Washington Crossing Historic Park placerede en arbejder også et lille amerikansk flag, et kvarter i delstaten New Jersey og en seddel med navne på de arbejdere, der hjalp med at sammensætte statuen under en af ​​figurerne.


Se på et maleri af Peeters, og du bliver ikke mindet om dødelighed - du bliver mindet om, at du er sulten

Ignoreret Rubens høje idealisme, der dominerede Antwerpen kunstscene, valgte Peeters i stedet at male i den nye realistiske stil, der gradvist fik indflydelse i hele Europa. "Og hvis du maler i realistisk tilstand i Antwerpen, er du virkelig meget anderledes end alle andre, der arbejder der," siger Vergara. Mens tidligere malerier af stilleben stort set havde været allegoriske, er Peeters arbejde kendetegnet ved en præcis form og tekstur, hvor glødende kar og fødevarer kontrasterer elegant med mørke, usminkede baggrunde. Se på et maleri af hende, og du bliver ikke mindet om dødelighed, du bliver mindet om, at du er sulten.

Emnet for denne Vanitas fra omkring 1610 menes at være Peeters selv, hvilket gør det til et selvportræt (Kredit: Prado)

"Vi ved godt, at datidens førende samlere havde malerier af hende," siger Vergara. Men udover det forbliver detaljerne i hendes liv et mysterium. Vi kan måske få nogle spor til hendes personlighed fra de talrige miniatureportrætter, der afspejles i forgyldte kopper og bæger i hendes malerier. Dette var endnu en nyskabelse, som ingen stilleben -maler tidligere havde tænkt på at skildre sig selv på denne måde. Vergara ser det som en diskret, men selvsikker proklamation af hendes værdighed, ikke kun om at være maler, men også som kvindemaler. "Hvordan kunne du ikke læse ind i, at en bestemt vilje til at blive genkendt?" Måske bliver hun det nu.

Portræt af en dame

I modsætning til Peeters er Louise Elisabeth Vigée Le Bruns liv veldokumenteret. Hun var den mest succesrige og dyre portrætmaler i det 18. århundrede, men da retrospektivet af hendes arbejde åbnede i Paris 'Grand Palais i 2015, var der få uden for den akademiske verden, der havde hørt hendes navn.

Le Brun var en tidligere begavet kunstner kendt for sin vid og skønhed og havde etableret et portrætstudie, mens hun stadig var i teenageårene. Som 23 -årig malede hun det første af mange portrætter af Marie Antoinette, hvis direkte indgriben endelig tillod hende at komme ind i Académie Royale, hvorfra hun tidligere var blevet ekskluderet på grund af hendes ægteskab med Charles Le Brun, en kunsthandler. Kendt for sin udsøgte behandling af farve, stof og tekstur kunne hun også "fange en lighed som ingen," siger kurator for Paris -udstillingen, Joseph Baillio.

Vigée Le Brun malede sit selvportræt i en halmhat i 1782 efter at have stødt på Rubens arbejde i Antwerpen på en rundvisning i Flandern (Kredit: Wikipedia)

En sådan succes forårsagede uundgåeligt misundelse blandt hendes mandlige jævnaldrende. "Det må have været galning at se, at en kvinde fik flere penge, end de gjorde," siger Baillio. Da hun udstillede sit spektakulære portræt af Comte de Calonne i salonen i 1785, gik der rygter om, at det må have været malet af en mand. Hendes kongelige forbindelser tvang hende til at flygte fra Frankrig under revolutionen, og hun tilbragte de næste 12 år med at male Europas store og gode, herunder en seksårig besværgelse ved Katarina den Stores hof i Sankt Petersborg, inden hun vendte tilbage til Frankrig for at bo i ekstraordinær pragt indtil 86 år.


Frida Kahlo & aposs Ægteskab med Diego Rivera

I 1929 giftede Kahlo og den berømte mexicanske muralist Diego Rivera sig. Kahlo og Rivera mødtes første gang i 1922, da han gik på arbejde med et projekt på hendes gymnasium. Kahlo så ofte på, da Rivera lavede et vægmaleri kaldet Skabelsen i skolens foredragssal. Ifølge nogle rapporter fortalte hun en ven, at hun en dag ville få Rivera ’s baby.

Kahlo sluttede igen til Rivera i 1928. Han opmuntrede hendes kunstværk, og de to indledte et forhold. I løbet af deres første år sammen fulgte Kahlo ofte Rivera baseret på, hvor de provisioner, Rivera modtog, var. I 1930 boede de i San Francisco, Californien. De tog derefter til New York City for at se Rivera's show på Museum of Modern Art og flyttede senere til Detroit for Rivera's kommission med Detroit Institute of Arts.

Kahlo og Riveras tid i New York i 1933 var omgivet af kontroverser. I bestilling af Nelson Rockefeller lavede Rivera et vægmaleri med titlen Mand ved korsvejen  i RCA -bygningen på Rockefeller Center. Rockefeller stoppede arbejdet med projektet, efter at Rivera inkluderede et portræt af den kommunistiske leder Vladimir Lenin i vægmaleriet, som senere blev malet om. Måneder efter denne hændelse vendte parret tilbage til Mexico og boede i San Angel, Mexico.

Aldrig en traditionel fagforening, Kahlo og Rivera holdt adskilt, men tilstødende hjem og studier i San Angel. Hun blev bedrøvet over hans mange utroskab, herunder en affære med sin søster Cristina. Som svar på dette familiære forræderi afbrød Kahlo det meste af sit varemærke med langt mørkt hår. Da hun desperat ville have et barn, oplevede hun igen hjertesorg, da hun aborterede i 1934.

Kahlo og Rivera gennemgik perioder med adskillelse, men de sluttede sig sammen for at hjælpe den eksiliserede sovjetiske kommunist Leon Trotsky og hans kone Natalia i 1937. Trotskys kom for at bo hos dem i Det blå hus (Kahlo & aposs barndomshjem) i 1937 i en tid i 1937 som Trotskij havde modtaget asyl i Mexico. Trotskij, der engang var en rival med sovjetlederen Joseph Stalin, frygtede, at han ville blive myrdet af sin gamle nemesis. Kahlo og Trotsky havde angiveligt en kort affære i løbet af denne tid.


Se videoen: O DUCHOVNÍ BLAHODATI (Juni 2022).


Kommentarer:

  1. Montaro

    Jeg tror, ​​at du ikke har ret. Skriv til mig i PM, vi vil diskutere.

  2. Jaleb

    Tillykke, din mening vil komme godt med

  3. Fek

    Godt gået, den bemærkelsesværdige idé og er rettidig

  4. Wattkins

    BAD QUALITY BUT YOU CAN SEE

  5. Tait

    Jeg tror, ​​han har forkert. Jeg er sikker. Jeg foreslår at diskutere det. Skriv til mig i premierminister, tal.

  6. Idi

    We will live.

  7. Abdul-Mujib

    Jeg vil ikke tale om dette emne.

  8. Salton

    Er du ikke eksperten?



Skriv en besked